Música recomendada

EMI, 1979

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace algunos años más de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Hay discos publicados hace pocos días que suenan infinitamente más antiguos que estos. La edad no estropea los buenos discos, al contrario, los rejuvenece.

Album en Spotify

Adoro la guitarra eléctrica. Las sensaciones que se pueden experimentar mientras unos dedos se deslizan por el mástil son infinitas (que nadie busque aquí metáforas eróticas). Rudolf Schenker, el compositor de esta veterana banda, posee una incuestionable capacidad de generar ritmos pegadizos, ritmos que te invitan a acompañar su discurso. "Loving Your Sunday Morning" es un perfecto ejercicio de dinamismo, de rítmica, consiguiendo que la guitarra sea una especie de péndulo capaz de mantener unos acordes mágicos por sí mismo. Otro tanto sucede con "Coast To Coast", en el que Klaus Meine, el cantante, cierra la boca y atrapa una guitarra para generar una de las melodías más clásicas de estos germanos. La vena sentimental aflora con promiscuidad en los escorpiones, ya se sabe. "Always Somewhere" y "Holiday" son la mejor muestra. Esta última canción, sin llegar a ser nunca un número uno, se ha convertido en un himno para los fans de los Scorpions. En el otro extremo de los sentimientos musicales aparecen "Can´t Get Enough" o "Lovedrive", temas más desgarrados, más desordenados, en los que la voz y los instrumentos se entregan a una especie de orgía en la que nada importa salvo la intensidad. Por último, como una especie de islote aparece "Is There Anybody There?, un tema con un mestizaje soberbio. Rociado por el reagge y con las entrañas del rock. ¡Ah!, y con un nuevo pragmatismo rítmico de etnia desconocida pero actualidad impermeable. "Show me the way to find myself. Cause I´m nowhere in the darkness of these days". Yo, sin ir más lejos, sigo buscando ese camino. Y en cuanto a la oscuridad de estos días...

Juanjo Talavante

Arhoolie Records 40th Anniversary Collection: 1966-2000

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de recopilación de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Seguro que te has sentido alguna vez atraído por una música de la que no conocías nada. Habías oído algo de música brasileña, o de jazz, o de música griega, pero no sabías por donde empezar. Aquí hay algunas sugerencias para encontrar esa puerta, sólo tienes que empujarla y entrar... estás en tu casa.

Paradojas de la vida: ésta caja de discos con formato de LP de vinilo, que incluye 5 CDs y un libro de 68 páginas de papel couché del mismo tamaño ( 30 x 30 cm), es obligatoriamente un producto para coleccionistas pudientes; sin embargo, el trabajo que compendia difícilmente podría ser más popular y más modesto.

En 1960, en la por entonces muy inquieta y creativa California, Chris Strachwitz puso en marcha Arhoolie Records: un sello discográfico de cuatro perras dedicado a los estilos con más raíces y a sus intérpretes más sinceros e insobornables. En su sello tuvieron cabida de inmediato el blues, el cajun, el zydeco, los cantos de la inmigración mexicana, el jazz más directo, el country más alejado de las lentejuelas de Nashville... todo ello grabado en su medio natural, huyendo de las ultrainsonorizadas salas de grabación y de los estudios con mesas de mezclas de tropecientas regletas, capaces de conseguir que la voz de Karina parezca la de la Callas.

Reconozco que, del centenar de intérpretes que Strachwitz presenta en este compendio de las cuatro décadas de intenso trabajo que lleva ya en la Arhoolie, apenas me suena el nombre de unos pocos: Lightnin' Hopkins, Los Balfa, Flaco Jiménez, Fred McDowell... Pero por las mismas admito también que la culpa es mía: todos valen la pena. Un ejemplo: ¿cuántos de entre vosotros/as sabéis quién es Jesse Fuller? Pero, si os digo que es el autor del San Francisco Bay Blues, ése que Eric Clapton ha convertido en celebérrimo, a lo mejor os dice ya algo. Pues todo en ese plan. (Por cierto, que el SF Bay Blues aparece aquí grabado chapuceramente en 1954 en la propia casa de Fuller, que era un one-man band: tocaba hasta cuatro y cinco instrumentos... ¡a la vez!).

Una joya de canción y una joya de antología que, por desgracia, el común de los curritos difícilmente se puede permitir.

Javier Ortiz

Indies Records (Brno, República Checa), 1996

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace pocos años de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
No todos los "clásicos" tienen que pasar la prueba del carbono 14. Aquí tienes unas cuantas pruebas.

Firme en mi decidido intento de acercar las músicas de todo el mundo al personal que visita esta página, presento hoy a un grupo checo prácticamente desconocido por estos andurriales. Se trata de Majerovy Brzdové Tabulky (nombre tomado, ignoro por qué, del título de un libro dedicado a los sistemas de freno de los trenes que un tal Majer publicó en 1920). El grupo MBT está compuesto por Andrea Landovská (voz solista), Petr Linhart (letrista, guitarra, mandolina, cítaras), Vit Kahle (saxos tenor y soprano, clarinete, whistle) y Antonín Bernard (violín, cello, guitarra bajo, cítaras).

¿Qué música hace MBT? La crítica no se atreve a clasificarla. Yo tampoco. Tiene componentes muy diversos, tanto estilísticos como geográficos: hay evocaciones de la música tradicional centroeuropea, del folk celta, jazzísticas, psicodélicas... El conjunto resulta tan extraño como fascinante. Gabréta (canción que da título al disco) es el nombre de origen celta de unas montañas situadas al norte del Danubio que ya figuraban en los mapas de Ptolomeo. El trabajo de Gabréta (no sólo de esa canción, sino del conjunto del disco) pretende ser, tanto por las letras como por la música, un diálogo con la Naturaleza. Al menos eso dicen ellos. Yo no me arriesgo a nada: me limito a decir que suena muy bien y que resulta envolvente, evocador e inquietante.

MBT empezó en 1989 con Noení Zprávy ("Las noticias de la noche"), una reflexión sobre el clima político que se vivió en Checoslovaquia bajo el socialismo real. En 1992, MBT dio un giro total a su carrera con Místa castých Zjevení ("Los lugares mágicos"), obra en la que indagaban en las raíces paganas de la música checa, de resonancias célticas. Gabréta vino en 1996. El último disco suyo del que tengo referencia es Babi Jan, editado en 1998.

MBT ha actuado en Francia, Holanda, Bélgica y Japón. Sus conciertos han merecido críticas muy elogiosas de la crítica especializada.

Para que quien quiera pueda hacerse una idea de cómo suena MBT, incluyo un corte de 2'30" en mp3 de la canción que da título al disco, Gabreta.

Javier Ortiz

Rama-Lama, 1999

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace pocos años de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
No todos los "clásicos" tienen que pasar la prueba del carbono 14. Aquí tienes unas cuantas pruebas.

Un excelente plantel de músicos españoles se reunió bajo el nombre de Dolores a mediados de los años 70. Pedro Ruy Blas ponía la voz a este experimento musical que intentó dibujar un jazz de tonos personales e intransferibles, muy apreciado en varios rincones del mundo. Músicos de la talla de Jorge Pardo, Tomás San Miguel, Tomás Vega o José Antonio Galicia acompañaban a Ruy Blas, que ya conocía desde el año 69 lo que era ser número uno de las listas de venta (Merece la pena hacerse con el single que le llevó a la fama: "A los que hirió el amor", una canción que hizo popular en Francia Johnny Hallyday - "Ceux que l'amour a blessés"-). Ruy Blas es uno de los grandes de la música española, empequeñecido sólo por el silencio inculto e injusto del mercado discográfico dominado por Superventas, Tamaras y otras especies. Su voz es enorme, potente, versátil, capaz de transmitir todo el sentimiento.

Nadie es capaz en este país de jugar con su capacidad vocal en los terrenos del jazz como él lo hace. De entre estos 25 temas, merece la pena detenerse en "La niña de los Montoya", compuesta por Ruy Blas e Hilario Camacho. Fue un pionero. Con estas canciones grabadas entre 1975 y 1977, nos dejó una muestra. Excelente muestra.

Juanjo Talavante

Harmonia Mundi France, 1990
3 CDs 3h40'32

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace algunos años más de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Hay discos publicados hace pocos días que suenan infinitamente más antiguos que estos. La edad no estropea los buenos discos, al contrario, los rejuvenece.

No deja de ser un atrevimiento por mi parte adentrarme en el "proceloso" mundo de la música culta. Aunque sé seguro que saldré escaldado con alguna pulla de un purista en busca de notoriedad, me arriesgaré para sacar del gueto en que quieren mantener esta maravilla gentes que se creen por encima del resto. Lo que aquí os presento es un compendio de canciones recogidas en los Carmina Burana. Si hemos de fiarnos de mi memoria, y de las enseñanzas de un maravilloso programa que tenía José Carlos Cabello en Radio 2 hace diez años, los Carmina son cancioneros latinos recopilados por un monje alemán de la Edad Media -de Buren, de ahí lo de Burana-. El término ‘carmina' se correspondería a nuestra ‘cantiga', pero los temas tratados son más populares y profanos que los de nuestro "rey sabio". Versan sobre la vida de los goliardos, que debían ser los bohemios y ‘hippies' de la época. Si escuchamos los tres volúmenes que están recogidos en esta grabación, tenemos desde las melodías que luego se "hicieron" celtas -mucho habría que hablar de la pureza musical de los "descendientes" de Cuchulain-, hasta pequeños trozos de caos y estridencia más propios de la época que la pomposa música que en este siglo popularizó Carl Orff ("Carmina Burana", 1937). Escuchar a René Clemencic es una delicia, yo tuve el privilegio de verlo hace unos años, en Aranjuez, en uno de los mejores conciertos de música antigua a los que he asistido. Los instrumentos son de época (lo digo como descripción, no como condición imprescindible: Glenn Gould tocaba un señor piano y nadie echaba en falta el clavecín). El cuidado de la caja es exquisito, como ya nos tiene acostumbrados la división francesa de Harmonia Mundi.

No puedo acabar esta crónica sin contar como llegó hasta a mi este disco. A la vuelta de un eterno e infumable examen de física cuántica de cinco horas -materia que olvidé en menos tiempo que lo que duró el examen-, encontré encima de mi mesa esta maravilla. Una muy buena amiga me lo había comprado y lo había hecho llegar hasta allí. De eso hace ya unos cuantos años, pero como no podía ser menos, sigo teniendo trato casi diario con esa amiga, hay gente de la que no conviene alejarse mucho.

Manuel Couceiro

Six Degrees Records, 1998

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de recopilación de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Seguro que te has sentido alguna vez atraído por una música de la que no conocías nada. Habías oído algo de música brasileña, o de jazz, o de música griega, pero no sabías por donde empezar. Aquí hay algunas sugerencias para encontrar esa puerta, sólo tienes que empujarla y entrar... estás en tu casa.

Los discos antológicos con canciones de diferentes intérpretes tienen por lo general, más allá del mayor o menor acierto en la selección de los temas y los cantantes, la aparentemente ineludible característica de no ser obras de autor. Éste no. Darol Anger, que ha hecho la selección de los temas y los arreglos, que interviene en todas las piezas tocando la más variada suerte de instrumentos de cuerda, desde la mandolina al cello y del bouzuki al fiddle, y que hasta ocasionalmente hace segundas voces, ha podido dejar luego la voz cantante de cada pieza a muy heterogéneos intérpretes sin que la unidad se pierda nunca. Al oírlo, uno siente que está escuchando en todo momento el mismo disco, aunque en tal corte sea Mavis Staples (la maravillosa solista de The Staples) la que canta, y luego le llegue el turno a John Gorka, y más tarde a Mary Chapin-Carpenter o a cualquiera otra de las voces que aparecen en primer plano, cada una con su indiscutible personalidad. La selección de los temas es muy inteligente, y los arreglos, cualquier cosa menos espontáneos: lo que se pierde en frescura se gana con creces en exquisitez. En suma, y si se me permite el retruécano: una antología antológica.

Javier Ortiz

Audivis (Francia), 1993

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace pocos años de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
No todos los "clásicos" tienen que pasar la prueba del carbono 14. Aquí tienes unas cuantas pruebas.

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Confieso que cuanto más sé de músicas del mundo más me doy cuenta de que no tengo ni pajolera idea. Jamás había oído hablar de Houria Aïchi (*) hasta que me encontré con este disco en los muy bien -e inteligentemente- surtidos estantes de la sección de discos de El Corte Inglés de Bilbao. El caso es que, una vez que he indagado, he descubierto que esta señora tiene tras de sí una carrera de quitarse la boina, que ha recorrido los escenarios de medio mundo (incluso tuvo una breve intervención en un festival étnico celebrado en Madrid en 1996) y cuenta con el reconocimiento y la admiración de la mejor crítica especializada.

No es para menos. Nacida en Batna, en la montañosa zona del Aurès argelino -bereber, por tanto-, Aïchi ha realizado un trabajo impresionante de recuperación de melodías y textos tradicionales, seleccionándolos con un gusto exquisito y un criterio ideológico nada ecléctico, que muestra bien a las claras su decidido apoyo a la causa de la emancipación femenina. Su técnica vocal, fascinante, se inspira en los cantos antiguos, con el apoyo de los envolventes ritmos bendir y las melodías típicas de la flauta gasba. Canta tanto en tamazight (bereber) como en árabe. Tengo noticia de otros dos CDs suyos: "Chants de l'Aurès" (1990) y "Chansons sacrés de l'Algérie" (2001). Si tienen la categoría de éste que comento, ¡para no perdérselos!

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(*) ¡Mentira podrida! Después de escrita esta reseña, he encontrado en mi fonoteca un CD titulado Algérie, Voix de Femmes que incluye una pieza de Houria Aïchi titulada «Raeyan El Xil». Lo siento: no soy capaz de retener ni todo lo que leo ni todo lo que oigo. Así me va.

Javier Ortiz

ECM, 1975

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace algunos años más de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Hay discos publicados hace pocos días que suenan infinitamente más antiguos que estos. La edad no estropea los buenos discos, al contrario, los rejuvenece.

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Señoras y señores, un poco de respeto que vamos a hablar de cosas de otro mundo. Presentar aquí este "Concierto de Colonia" es para mi, más que un placer, una obligación. Keith Jarrett está considerado, sino el mejor, uno de los mejores de los improvisadores de música de todos los tiempos. Es un artista muy polifacético: interpreta jazz, es precursor de la New Age, de la fusión del jazz con el rock y pasa por ser uno de los más originales interpretes de música barroca. Pero sobre todo destaca por sus grabaciones en directo sin ningún tipo de preparación. Si tuviera que recomendar discos suyos, a parte de este, (creo que están cerca de los setenta los que yo tengo localizados) nombraría la caja de "The Sun Bear Concerts" con seis magníficos CDs, "The Paris Concert", "The Melody At Nigth, With You", "Book of Ways" y por supuesto todos lo que ha grabado de Bach: "Las suites francesas", "Las Variaciones Goldberg" (sé que muchos se rasgarán las vestiduras, puristas hay en todos lados y sobran), y los dos CDs de "El clave bien temperado". Nada que envidiar al otro mago, este canadiense: Glenn Gould.

En el "Köln Concert" la música va creándose, caminando, escondiéndose y surgiendo hasta alcanzar, por momentos, una belleza y una intensidad que provoca, si uno se mete de lleno, que las lágrimas asomen por los ojos. Pese a ser ‘piano solo' al escucharlo con atención se aprecian pequeños grititos que anuncian lo que está a punto de surgir de sus dedos, por ello no es de extrañar que él a menudo se refiera a sus composiciones como "cantos". Son 66 minutos y 10 segundos de autentico placer. Os puedo contar una anécdota que dice mucho de lo que hablo. Íbamos este verano en coche hacia Lisboa. Conducía yo y me acompañaban dos amigos que no paraban de hablar y hablar, mi dolor de cabeza llegó a tal punto que decidí tomar cartas en el asunto. Sutilmente cambié el compact, puse el que aquí os presento, subí un poco el volumen y... se hizo el "silencio" más absoluto. Tanto mi ‘copilota' como el amigo que iba detrás son hoy día auténticos fans de este gitanazo yanqui descendiente de mil razas europeas.

Manuel Couceiro

General Publishing Co., 1995
Resistencia, 2001

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace pocos años de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
No todos los "clásicos" tienen que pasar la prueba del carbono 14. Aquí tienes unas cuantas pruebas.

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Tengo muchas costumbres extrañas. Una de ellas es que, cuando estoy escribiendo un libro, escucho sin parar la misma música. Escojo uno, dos discos a lo sumo, y los pongo una y otra vez, durante horas y más horas. Supongo que la familiaridad de la música contribuye a la concentración y, a la vez, como un reflejo pauloviano, facilita que me instale en el "mundo mental" del libro. Ni que decir tiene que, para que aguante decenas y decenas de pases sin hartarme, los discos en cuestión tienen que ser tranquilos... y de muy alta calidad.

En esta ocasión, para "liquidar" mi libro sobre Ibarretxe me he servido de dos discos. Éste que os presento es uno de ellos. Nikos Xydakis hizo en 1995 una selección de esas curiosas piezas que suelen tocar distraídamente los músicos en los ratos libres de las grabaciones o en las pausas de los ensayos, dejando fluir los sentimientos que les vienen en esos momentos, casi como grietas del subconsciente. Xydakis escogió algunas de sus propias piezas, varias de Manos Hadjidakis y alguna otra cosa suelta y les dio un tratamiento intimista, a veces cerca de la tradicionalidad más estricta, a veces vecino del jazz. El conjunto es extrañamente fascinante. Os lo recomiendo vivísimamente. 

Javier Ortiz

Xoxoa - Elkar, 1980

Este disco estaba incluido en la sección de Discos de hace algunos años más de la anterior página web de Javier Ortiz (2000-2005), cuya cabecera decía así:
Hay discos publicados hace pocos días que suenan infinitamente más antiguos que estos. La edad no estropea los buenos discos, al contrario, los rejuvenece.

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En la ficha de Oskorri de esta web se habla de unos cuantos músicos vascos como si la gente supiera de toda la vida quien es Mikel Laboa, o Benito Lertxundi, pero desgraciadamente a los que no sean de allí esos nombres es posible que no les digan nada, sad but true

Bueno, miento: el de Orio aparece en una recopilación de música celta (!), junto con los de Hedningarna, ¡qué hacen folk sueco! No debería mencionar, pero lo haré, el conocido tópico de "si no entiendo lo que dicen no me gusta", dicho, por cierto, en un país completamente bilingüe como el nuestro, en el que todo el mundo habla el inglés casi como su lengua materna. Allá ellos. Aprovechemos las pocas líneas disponibles para tareas más fructíferas, como por ejemplo hablar de "este tal" Ruper Ordorika, y del que fuera su primer disco. Es una música que hay que escuchar tranquilamente, sentarse, coger el libreto y ponerse a leer mientras suena. Si haces esto te metes en un mundo gris, espeso, lento y, sobre todo, bello. Es tanta la melancolía de su sonido que no nos sorprende encontrar en las canciones varias referencias al Portugal de Fernando Pessoa (¿tendrá algo que ver Sarrionaindia?).

Los textos del disco son de Atxaga: por el mismo precio tienes música y un libro de poemas precioso.

He tenido la suerte de verlo en varias ocasiones en directo -Café Antzokia de Bilbao, El Campo del Gas también en Bilbao (con horrible sonido y encima "teloneando" a Barricada, ¡inefable!) e incluso en el Café Central de Madrid-. Suele tocar con los Mugalaris, entre los que están (o estaban) Ángel Celada (batería de los primeros El Último de la Fila), Bixente Martinez (Oskorri eta ...), Joseba Tapia y Nando de la Casa, buena gente. No me resisto a hablar de otros músicos de éstos que tienen la desfachatez de cantar en una lengua que no es ni castellano ni inglés, ¡qué gente! Empecemos por los desaparecidos Itoiz: el disco de despedida en directo es estupendo. Sigamos por el último de Jabier Muguruza: precioso, de los mejores que se han grabado en el último año. Y acabemos por el hermano de este último (Fermin) que, afortunadamente, es bastante conocido, pese a ser el más incómodo de vender dada su "explícita radicalidad". (Otro día hablaremos sobre si se puede estar en las antípodas de alguien, políticamente hablando, y disfrutar de su música; hoy me siento con pocas ganas de rebatir tópicos). Dejo a otros que hablen de Xavier Lete, Imanol, Gorka Knör y alguno más.

Manuel Couceiro